2007年2月24日
若き日の美術家たち
愛知県美術館の企画展。所蔵作品から「若き日の美術家たち」と題して、20世紀の画家の20代の作品を中心に紹介した展覧会。とはいえ、若さ故の初々しい20代作品ばかりでもないし、作品として見応えのあるものも多くて、あらためて愛知県美のコレクションの質の高さを垣間みた感じがする。所蔵作品展ということで入館料は常設展の価格で、いつもの常設展示にそのままつながる構成になっている。余談だが、自分の勤務先の博物館もここみたいに「これから先は常設展示をお楽しみください」とひとこと表示すれば、展示スペースに関する悩みもとりあえず解決できるのになぁ・・・と思った。提案してみよう。そうしよう。
さて、展示の内容は「若き美術家たちの群像」「若き美術家たちの肖像」「若き美術家たちの挑戦」「美術家たちの若き時代、そして」という4つの章にわけられている。ポスターになっている田中恭吉の木版画「冬蟲夏草」が最初に展示されていて、それからこれらの4章がはじまっている。章ごとに気になった作品をいつもどおりピックアップしながらだらだらとメモから拾い上げることにする。
第1章 若き美術家たちの群像
ウィーン分離派のものとその影響を受けたとの画学生の同人誌「月映」が取り上げられている。ウィーン分離派のでは、レオ・プッツの「花と女」がよかった。花瓶を前に何か考え事をする女性の絵。ラフに大胆に色を置いているがしっかり形ができている。マティスよりも形と色が規律的に融合している? この人の他の作品は知らないけど、デッサンを大切にしている姿勢がうかがえて好感がもてた。そして、クリムトの「17歳のエミーリエ・フレーゲの肖像」はこの展覧会の呼び物的存在なのかな? 愛知県美にはクリムトの「黄金の騎士」があるけど、制作年を隔てた作品を比較できる点では確かにこの企画展にぴったりかも。額はじゃポニズム的な金ピカデザインでクリムトらしいけど、絵は割と素朴。クリムトの描く女性の妖婉さが全くなくて気品がある。後年の平面幾何学装飾をくみあわせた画面構成はないけれども、パステルの描写の技術はこのときから変わらないように思える。カンディンスキー37歳の版画「鏡」「夕暮れ」はジャポニスム風の切り絵のような作品。やっぱり抽象画に行ってしまってからよりもこっちの方がいいなぁと思う。後半の「月映」は、版画と詩の同人誌で、たくさんの作品が展示されてあった。東京美術学校在学中の恩地孝四郎、藤森静雄、田中恭吉の3人が作っていたとのこと。個人的には構図などで藤森作品が好みだ。よく知らないけど、今の芸大・美大でもこういう動きってあるのかな? もしかしてBTとかは限りなく同人誌に近かったりして・・・(いや、悪い意味ではなく)。
第2章 若き美術家たちの肖像
自画像、自己表現を追求した風景画、若手画家が切磋琢磨した20世紀初頭のパリの作品が並んでいる。
ワイエス21歳の自画像は、つっぱったしかめっ面をしていて表情に初々しさがある。このときから既にテンペラ画のスタイルができあがっているけど、画面右側の空間と影に技術的な未熟さを感じた。宮脇晴の18歳の自画像はその質の高さにちょっとびっくり。しっかり古典から学んでいる。今の画学生が観ていないものをしっかり吸収しているにちがいない。大沢鉦一郎26歳の自画像は強い明暗がバロック的で、グリーンの背景もおちついていて好みの絵。同じ年に描いた風景画「大曽根風景」も良かった。ただ、1919年の大曽根はこんな原野だったのか〜と、その空の抜ける青さとともに画題の方がとても気になった。浅井忠の「八王子付近の街」は31歳の作。曇天と鈍い光が雰囲気をつくっている農村風景。技術的な違いはあっても、浅井の好みと視点が変わっていないのを再確認できる。佐伯祐三19歳の自画像は、かなり意外性のある絵。薄塗りでナーバスな感じが出ている。色の使い方が面白いが、明暗で形をとらえているのがわかる。実験的な自画像なのだろうか。岸田劉生の「高須光治君之肖像」は24歳の作。明暗と量感は岸田劉生ならではという感じ。中村彝の「少女裸像」は一昨年だったかの特別展でも観た作品。うーん、やっぱりルノワールだ。でもルノワールよりもいい。他には安井曾太郎の17、18歳の時の木炭画があったが、微妙な光について研究していたのだろうなぁと思わせるモチーフと筆致。ただ、ところどころ木炭が落ちているのでは? と思うところもあった。山本鼎の木版画「漁夫」は人物と背景が同じような線で描かれているにもかかわらずしっかり立体感や奥行きが表現されているのが気に入った。木下孝則の「読書」はとてもデッサンが決まっているのに描き込みが足りなくて消化不良ぎみ。まぁ、これでいいということなんだろうけど、なんかもったいない。佐分真の「アパッシュ・シャルボニエ」はとてもいい絵だった。形としては床面の遠近など怪しいところは多々あるが、モデルのボリューム感、眼差し、黒の輪郭がとてもリアリスティックに見える。しかしガラスに明かりが反射してみづらい展示が残念だった。
第3章 若き美術家たちの挑戦
日本画と前衛の作品が並ぶ。横山大観32歳の「飛泉」は、出たな朦朧体! と言いたくなる作品。ならではの透明感とフォーカス・アンフォーカスのメリハリが実に効果的。中村岳陵31歳の「芦に白鷺鵜鴿図」は迫力ある屏風。屏風の折れ目部分(なんて言うの?)が竹のようにも見える。鳥はもちろん、水面と芦がとてもよく描けていた。前衛は・・よくわからない。よくわからないので書きようがないのでパス。
第4章 美術家たちの若き時代、そして
クレー、キルヒナー、国吉康雄、杉本健吉の作品が並んでいる。それぞれの作品が年代を追って変化する様子がわかるような展示。最後にこの構成ということは、これで「若き美術家」の特色を際立たせてしめくくる演出なのだろう。作風の変化はわかるんだけど、若さってなんなんだ? とわかったようなわからないような感覚のままだった。うーん、これって年配の方が観たらとっても頷ける内容なのかもしれない。自分の未熟さを感じた。ここに展示されている4人の画家の作品は実は好きでも嫌いでもない。なぜかこういうニュートラルな作品というのがある。しかし、クレーの「女の館」は何度も見た作品だが、あらためて奇麗だと感心した。厚紙に油絵というのは独特の澄んだ深みがあるように思う。
この後、つづいて常設展示に会場がつながり、おなじみのマティスの「窓」、デルヴォーの「こだま」、ボナールの「子供と猫」、クリムトの「黄金の騎士」といった絵がある。野口弥太郎の「門」は、はて、ここで観たのだっけ? どこか別の会場で観たような気がするけど自信がない。割と筆致の粗いどうということのない絵だけれど、空間と人物のバランス、想像できる人間関係などが面白くて、実は好きな絵かも。ほかに今までそう気に留めていなかった作品では、海老原喜之助の「雪山と樵」のナイフで表現した雪山が地層の褶曲に見えてならないのだが、その圧倒的な存在感は観ていて心地よいと思った。樵を描くのなら平面的な樹木がもうちょっとしっかり描かれていると山と森と人のバランスがとれたのになぁ・・といつもながら勝手なことも考えてしまったのだが。
常設展示はそのまま意味不明の現代美術を経て、小さい展示室へと続く。杉戸洋という人の演劇の舞台だけを描いた柔らかいタッチの大きな絵があった。舞台だけとはいえ、近寄るとこまごまと何かが舞台の上に描いてある。注意はひくがよくわからない。面白い・・のか? 不快感はないけどなんか物足りない。鑑賞者を巻き込んだという積極的な感じはなく、鑑賞者になにもかも任せてしまったような無責任さが物足りなさを感じさせるのかもしれない。まぁ、自分にとってはこの程度しか感じる事ができなかった。きっと作者はやさしい人なんだろうなぁ。あと、木村定三コレクションから若手美術家の作品を集めた展示があったが、これもひそかに企画展にからめた内容なのだろうか。部屋ではお客さんと美術館員が三重出身の作家について話していた。作品自体はあまり好きではない。けど、つくづくパトロンがいるってのは表現者にとって幸せだよなぁ・・と思った。